El director que más veces ha sido galardonado con el Óscar por su labor y el que no lo ganó nunca.

Según la equivocada idea de medir el talento en el cine con la cantidad de Óscars acumulados en las vitrinas, el mejor director de la historia sería John Ford (es de los mejores, por supuesto. Que ganó el premio en cuatro ocasiones, por "El delator" (1935), "Las uvas de la ira" (1940), "¡Qué verde era mi valle!" (1941) y "El hombre tranquilo" (1952). Y si bien es cierto que John Ford se mereció cada una de estas estatuillas... ¿cómo pensar en el buen juicio de la Academia y sus Óscar al saber que Alfred Hitchcock nunca recibió ninguno?. Esto dice mucho de las predilecciones de la Academia, que por supuesto siguen vigentes hoy en día con tres de los mejores directores actuales: Peter Weir (nominado en 1985, 1989, 1990, 1998 y 2003), David Fincher (al que se le ha escapado el premio en dos ocasiones, 2008 y 2010) y Christopher Nolan (2001 y 2010) y muchos más que no necesitan este premio para demostrar que son auténticos genios de este arte.

¿Cuál es el cine más creativo e importante de la actualidad?

El que procede de Extremo Oriente. Japón, China, Corea del Sur, India, Tailandia e incluso Filipinas, a parte de tener una historia del cine propia, poco o nada conocida en Occidente, en los últimos años han desarrollado una producción impresionante, que supera ampliamente en calidad, experimentación y riesgo la del cine occidental, tanto en los géneros comerciales tradicionales como en el cine de autor. Para ello, no solo parte de su propia tradición, sino de una asimilación desprejuiciada e inteligente de lo mejor de Hollywood y, sobre todo, de lo mejor del cine de autor europeo de los años sesenta y setenta. El cine de las últimas décadas sería mucho menos interesante sin cineastas como Wong Kar-Wai, Zhang Yimou, John Woo, Ringo Lam, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Kim Ki Duk y muchos más, que llevan haciendo las delicias de los cinéfilos unos cuantos años.

¿Cuándo fué la primera vez que se proyectó una película?

Todavía hoy se disputan muchos, sobre todo norteamericanos y franceses, la paternidad concreta del invento y las fechas de las primeras proyecciones, rodajes y demostraciones. Cuando se celebró el "centenario" del cine, tomando como fecha de referencia la primera proyección pública de "La salida de los obreros de la fábrica Lumière", rodada en 1894 pero mostrada un año después, el 22 de marzo de 1895, ante la Société d´Encouragement pour l´Industrie Nationale, en el número 44 de la Rue de Rennes, en París, y, poco después, al público general, el 28 de diciembre de ese mismo año, en el Grand Café, hubo muchas voces que proclamaron otras fechas anteriores, que entraban en conflicto con la elegida para la celebración. Pero, en general es aceptada la teoría de que este film fué el primero en exhibirse al público.

El Inocente

 T.O.: The Lincoln Lawyer. 2011. Sidney Kimmel Entertainment. Director: Brad Furman. Guión: John Romano, según la novela de Michael Connelly. Reparto: Mick Haller (Matthew McConaughey), Louis Roulet (Ryan Phillippe), Maggie (Marisa Tomei), Frank Levin (William H. Macy), fiscal Ted Milton (Josh Lucas).



No se trata de una gran película judicial, pero sí es un entretenimiento agradable e inteligente. "El inocente" nos cuenta el caso jurídico en el que se ve envuelto el abogado Mick Haller al aceptar defender a un joven adinerado acusado de intento de violación y asalto con tentativa de asesinato a una prostituta. Un caso que en un principio parece fácil de resolver pero que, según Haller y su colega Frank van destapando interrogantes, se irán dando cuenta que no todo es lo que parece y que hay en juego mucho mas que su minuta si consigue la inocencia de su cliente.

Una dulce mentira

T.O.: De vrais mesonges. 2010.Les Films Pelléas. Director : Pierre Salvadori. Guión: Benoit Graffin, Pierre Salvadori. Reparto: Emilie (Audrey Tautou), Jean (Sami Bouajila), Maddy (Nathalie Baye).

Los franceses son expertos en tratar temas o personajes peliagudos en forma de comedia y conseguir que nos riamos. Esto es lo que ocurre con "Una dulce mentira", la última película protagonizada por Audrey Tatou. Ésta da vida a una joven peluquera, Emilie, insegura, cobarde y mentirosa, que no es capaz de afrontar de manera honrada los problemas que surgen a su alrededor. Un empleado suyo, Jean, muy enamorado de ella, le escribe una carta anónima, como declaración de amor, llena de romanticismo. Pensando que se trata de un loco, Emilie tira la carta a la papelera. Sin embargo, al ver que su madre, Maddy, se encuentra inmersa en una depresión total, que le esta haciendo perder la cabeza, al ser abandonada por su marido (es decir, el padre de Emilie); decide darle un empujoncito hacia la felicidad enviándole la carta que ella recibió de su empleado. Este acto tendrá consecuencias desastrosas en la vida de los tres implicados en la farsa y todo por tratar de ocultar lo que les mueve a actuar de una forma u otra.
Es curioso, pero "Una dulce mentira", es de las pocas comedias francesas cuyos personajes no provocan mucha simpatía en el espectador. Tal vez porque sus actos son demasiado cobardes y porque, ni siquiera al final, los personajes son capaces de resolver ese problema que tienen al afrontar la realidad de sus vidas. Esto convierte el relato, mas que en una "dulce", en una enorme mentira.
Como siempre, el ritmo es bueno, una comedia donde cada situación cómica desemboca en otra más graciosa (aunque si es cierto que baja un poco los "brazos" en los últimos 30 minutos). Los actores están muy acertados y conforman un elenco de lo más alegre; sobre todo los personajes que pueblan las absurdas escenas de la peluquería, que más parece un corral de teatro que un lugar de trabajo.
Un trabajo bien realizado, pero que no acaba de cuajar al plantear una serie de historias nada simpáticas y que conducen hacia la reflexión, sobre una historia ciertamente dura, más que a la carcajada. Aun así, los franceses siguen demostrando que son los reyes de la comedia europea y que nadie como ellos sabe ver los aspectos de la vida de una forma tan agradable. (6/10)

El joven John Lennon

T.O.: Nowhere Boy. 2009.Film 4. Director: Sam Taylor-Wood. Guión: Matt Greenhalgh. Reparto: John (Aaron Johnson), Kristin Scott Thomas (Mimi), Anne-Marie Duff (Julia), Thomas Sangster (Paul).


No existen muchas películas dedicadas a "Los Beatles" (que no estén protagonizadas por ellos) y mucho menos a los orígenes de los componentes del grupo. "El joven John Lennon" nos cuenta la adolescencia del mítico músico británico y sus problemas de identidad familiar. Separado desde pequeño de su madre natural, vive con sus tíos ignorando la existencia de ésta. Cuando muere su tío le hes desvelado el secreto y corre al encuentro de su madre. Con ella empezara a aprender a tocar algún instrumento y recibirá nociones básicas de música, sobre todo, de Rock'n'Roll. Poco a poco formara una banda en la que Iran entrando y saliendo componentes hasta conseguir el famoso cuarteto. En esta etapa conocerá a Paul McCartney, que se convertirá en su mejor amigo.
La película es un drama con tintes musicales en toda regla. Podría haber tratado sobre cualquier otro músico con el mismo resultado en lo que se nos quiere contar. En realidad, no se centra en los aspectos más interesantes del guión: la influencia del rock´n´roll en John Lennon, su rebeldía adolescente, la formación de la banda, sus comienzos y  la relación con McCartney. En lugar de esto, desvía la

Charlton Heston recordaba cuánto se emocionó en el último día de rodaje de Ben-Hur (William Wyler, 1959): "Lo último que rodamos fue un primer plano en el que aparezco mirando a Cristo cruzificado. Al preparar el plano con Willy (Wyler), yo había insistido en que debía interpretarlo sin ninguna emoción visible. Judá había visto morir a muchos hombres en las galeras y en el circo. Cristo era sólo un delincuente condenado a morir en la cruz, lo cual era un castigo frecuente, aunque solía reservarse para los esclavos. Sin embargo, cuando la cámara empezó a rodar, fuí incapaz de dominarme y lloré. Esto puede suceder más a menudo en las películas que en el teatro. El decorado que rodea un lugar como el Gólgota, el peso cultural de un acontecimiento como la crucifixión, puede conmover al actor y empujarle más allá de su control creativo.

En ocasiones  Rock Hudson había bromeado diciendo que un día escribiría un libro titulado "Cómo ser astro de cine", el cual partiría de las siguientes reglas: 1. Los astros no reservan nada. Entran en un restaurante y los instalan en una mesa. 2. Los astros no ponen las monedas en los parquímetros. Nunca los multan. 3. Los astros nunca hacen nada malo; siempre es culpa de otros. 4. Los astros nunca atienden la puerta ni el teléfono. 5. Los astros nunca preguntan el precio. 6. Los astros tienen cuerpos naturalmente perfectos. No los trabajan para nada. 7. Los astros nunca llevan dinero.
Lo cierto es que, a la hora de la verdad, el propio Hudson era el primero en saltarse estas reglas. Por ejemplo, solía abrir la puerta y atender al teléfono. En cierta ocasión, por no preguntar el precio le compró a la actriz Nancy Walker, su compañera de reparto en la serie "El comisario McMillan y su esposa", una bufanda; al final, resultó que la prenda había sido pintada a mano por Salvador Dalí y costaba laa friolera de 1.000 dólares. Y, una vez que se le ocurrió invitar a cenar a la actriz y princesa de Mónaco, Grace Kelly, a un lujoso local llamado Ollie Hammond, descubrió en el momento de pagar que ni él ni Kelly llevaban dinero. "Las princesas tampoco llevan dinero..." dijo esta última "...creo que tendremos que lavar platos". "Ninguno de los dos tenemos dinero...", le explicó Hudson al gerente del local, "... ¿podría dejarle mi cartera...?". "No, no..." contestó el gerente "...tenemos el honor de invitarlos".

Brigitte Bardot y Jeanne Moreau coprotagonizaron "¡Viva María!" (1965), una comedia de aventuras realizada por Louis Malle y ambientada en la revolución mejicana. En aquel momento las dos eran las mayores estrellas femeninas del cine francés y, a pesar de que durante la filmación no hubo el menor problema entre ellas, el rodaje se dificultó sobremanera a causa de los insistentes rumores de la prensa, que no dejaban de hablar de celos y rivalidades. "En un momento dado, la cosa se puso muy difícil para Jeanne y Brigitte...", recordaba al respecto Malle "...anécdotas, celosías, rumores propagados por los periodistas, que no dejaban de explicar cosas que, decían, habían dicho la una de la otra... Aquello se hizo muy pesado... De hecho, estoy convencido de que se hicieron muy amigas... Pero Brigitte conocía su poder, sabía lo que ella representaba, y la corte de personas que tenía a su alrededor no hacía más que

Piratas del Caribe. En mareas misteriosas

T.O.: Pirates of the Caribbean: On strangers tides. 2011.Walt Disney Pictures. Director: Rob Marshall. Guión: Ted Elliot, Terry Rossio, según la novela de Tim Powers. Reparto: Jack Sparrow (Johnny Depp, Angélica (Penélope Cruz), Barbossa (Geoffrey Rush), Barbanegra (Ian McShane).

 Según empieza la cuarta entrega de la saga de Piratas del Caribe me entró una sensación irremediable de pereza ante lo que estaba por venir debido a la pérdida de interés que me provocó "Piratas del Caribe 3". Los españoles se han hecho con la información que les permitirá encontrar la fuente de la juventud y parten en su busca. Por su parte, los ingleses únicamente cuentan con un hombre para encontrar dicha fuente, alguien que ya ha estado en ella una vez: el capitán Jack Sparrow. Le ofrecen la libertad si les ayuda en la búsqueda, bajo las ordenes del capitán Barbosa (que ahora es un siervo del reino, un corsario). Jack rechaza la oferta y huye de prisión. Por el camino la hija del mas temible de los piratas, Barbanegra, le engañará y lo embarcará en el navío de su padre para que los guía a la Fuente. Así, Jack se vera inmerso en una aventura por los mares plagada de peligros.
"Piratas del Caribe 4" es mejor en relación al capítulo anterior de la saga. Se centra mas en las aventuras de un solo personaje, Jack, y los demás pasan a un segundo plano. Esto es lo que afectó a las dos pelis precedentes, las historias y personajes eran tan variados que el espectador perdía el hilo  y le daba igual el contenido de lo que estaba viendo, todo valía con tal de que fuese más espectacular que

Sin Identidad

T.O.: Unknown. 2011.Dark Castle, Warner Bros. Director: Jaume Collet-Serra. Guión: Oliver Butcher, Stephen Cornwell, según la novela de Didier Van Cauwelaert. Reparto: Dr. Martin Harris (Liam Neeson), Gina (Diane Kruger), Elizabeth Harris (January Jones), Martin Harris 2 (Aidan Quinn) Ernst Jürgen (Bruno Ganz), Rodney Cole (Frank Langella).


El doctor Martin Harris llega a Berlín con su mujer para acudir a una conferencia. Al olvidarse un maletín en el aeropuerto decide coger un taxi e ir a buscarlo. Por el camino sufrirá un accidente y un golpe en la cabeza le hará perder la memoria. Sin embargo, cuando recuerda quién es descubre que hay otro hombre usurpando su identidad, lo que le hace dudar si se está equivocando. A partir de entonces tendrá que ir desvelando los secretos que le conducirán a conocer quién es él verdaderamente.
Es muy satisfactorio observar que un director español se esta haciendo un buen hueco en la industria hollywoodiense más comercial, algo nada fácil.  Sin embargo se plantea un interrogante: ¿Cómo puede ser que un director, como éste, con una falta de creatividad palpable en todas sus películas, esté llegando más alto que otros muchos realizadores más originales, en la industria americana?". No quiero enfadar a nadie, por lo que voy a indicar su filmografía para que entendáis la pregunta: "La casa de cera" (2005), "Gol 2.Viviendo el sueño" (2007), "La huérfana" (2009) y "Sin identidad" (2011). Ninguna de ellas es una película que refleje un extraordinario talento pero, todas ellas, menos "Gol 2.", tuvieron muy buenos resultados en taquilla.

Cuando la gente tiene en cuenta la recaudación se confunden muchas veces en la valoración del film y se da por hecho que si gana "pasta" es que es buena. Éste no es el caso de "Sin Identidad", una película entretenida y con un buen ritmo, pero repleta de incoherencias que restan credibilidad al guión y hacen bastante difícil asimilar la historia. Se toma bastantes licencias narrativas para que los sucesos desemboquen donde deben para que el relato avance. La primera de ellas es que el Sr. y Sra. Martins bajan del avión con todo su equipaje, lo ven y lo llevan en un carro hasta el taxi, les observamos en el trayecto y no hay ninguna parada o altercado. Bueno, pues cuando llegan al hotel, el Dr. Martins se da cuenta de que falta un maletín (lo más importante del equipaje) y decide volver al aeropuerto en taxi, pero sin avisar a su mujer (¿?). ¿En qué momento se han dejado el maletín y como no se ha dado cuenta el Dr. que en el carro no iba lo que más le importaba? ¿Porqué no avisa a su mujer al ir a coger el taxi en la entrada del hotel? La película sigue esta constante a lo largo de todo el metraje, así que nadie espere una explicación muy real o coherente de lo que está viendo (no la hay ni al finalizar).
A pesar de ésto, es positivo observar que el estilo del director catalán ha madurado desde "La casa de cera" y que poco a poco va mostrando mayor solidez en las imágenes. El ritmo del film es trepidante, lo que se agradece tremendamente y tal vez sea ésto (la calidad de las imágenes y el buen ritmo) lo que no convierten "Sin Identidad" en un producto comercial de "mirar y tirar". Habrá que seguir de cerca a Jaume Collet-Serra, pues depués del tremendo éxito de "Sin Identidad" seguro que tendrá una nueva oportunidad mas que jugosa para demostrar cuál es su tendencia: creciente o decreciente. Por ahora, está creciendo.

Ashley Judd rodó "Bug" (2006), una rara película todavía inédita en España y que ni siquiera se ha estrenado entre nosotros en DVD, a las órdenes de uno de sus directores favoritos, William Friedkin. Pero, la primera vez que se vieron en persona, de cara a la preparación de "Bug", Judd metió la pata. Le comentó a Friedkin la que ella consideraba su escena preferida de la célebre película de aquél,  "Contra el imperio de la droga" (1971), sin embargo, se equivocó y mencionó otra que, en realidad, era de la secuela, "French Connection II" (1975), realizada por John Frankenheimer. Friedkin no sólo no se lo tomó a mal sino que, por el contrario, se partió de risa al darse cuenta de la vergüenza de la actriz por su error.

Anthony Hopkins tenía fama de ser lo que se conoce como un "robaescenas", es decir, un actor que con una sola y breve intervención es capaz de acaparar toda la atención del espectador. De ello daba fe Simon Ward, quien recuerda que, durante el rodaje de "El joven Winston" (1972), melodrama histórico sobre la juventud de Winston Churchill dirigido por Richard Attenborough en el cual Ward asumía el papel protagonista y Hopkins uno secundario, éste último logró literalmente "robar" una escena que tenía con Anne Bancroft, que interpretaba a la madre de Churchill. "Realmente no había visto a Hopkins desde hacía siete u ocho años y uno se sorprende con la gente, con el modo en que aprenden y evolucionan, o todo lo contrario. "El joven Winston" fue sumamente importante para mí, mi primer papel cinematográfico realmente importante. Dickie (Attenborough) no dejó piedra por mover para asegurarse de que tenía la gente adecuada. Por ejemplo, me hicieron tres pruebas de pantalla y luego me hicieron correr y montar a caballo. Tony (Hopkins) tenía sus propias aptitudes y solo estuvo tres días en la película, en Shepperton. Pero en aquellos tres días dejó su huella. Jamás lo olvidaré. Tenía una escena sencilla con Anne Bancroft y la observé entre bambalinas. Estaba saliendo bien y, de repente, Tony introdujo una pausa, un movimiento de la mano, un cambio de expresión y lo supe. Me dije : "Oh, demonios, le ha robado la escena. Se ha robado la película."". (palabras de Simon Ward).

Gracias a "No es país para viejos" (2007), Joel y Ethan Coen igualaron el récord de cuatro nominaciones a los Óscar por una misma película que también lograron en su momento Orson Welles y Warren Beatty. Los Coen fueron candidatos, a título personal, al Óscar a la Mejor Película (eran los productores), al Mejor Director, al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Montaje (ellos eran los montadores del film, bajo el pseudónimo de Roderick Jaynes). Ganaron los tres primeros. Por su parte, Welles aspiró a cuatro estatuillas por "Ciudadano Kane" (1941): Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Guión Original. Ganó éste último en colaboración con Herman J. Mankiewitz. Y Beatty aspiró a cuatro Óscar por "Rojos" (1981): Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original (junto a Trevor Griffiths) y Mejor Actor. Ganó el Óscar a la mejor dirección.

Four Lions

T.O.: Four Lions. 2010.Warp Films, Wild Bunch. Director: Christopher Morris. Guión: Christopher Morris, Jesse Armstrong, Sam Bain. Reparto: Omar (Riz Ahmed), Hassan (Arsher Ali), Barry (Nigel Lindsay), Waj (Kayvan Novak), Faisal (Adeel Akhtar).

Hace unos años llegaba a nuestras pantallas "In The Loop", una comedia brillante sobre los entresijos políticos de la guerra occidental contra Oriente (Irak, Afganistán, Iran, etc.). Ahora llega otra película igual de divertida e interesante sobre la cuestión del fanatismo islámico y los muyahidines.

"Four Lions" nos cuenta las peripecias de cinco ciudadanos ingleses de origen pakistaní que están obsesionados con la "guerra santa" y pretenden formar un grupo radical islamista. Su objetivo es llevar a cabo un atentado suicida contra algún lugar emblemático de Londres y con ello alcanzar la gloria y el paraíso. Lo cierto es que son un desastre de personajes, incapaces de lograr algún fin en equipo y que sufrirán en sus propias carnes las consecuencias de su ignorancia repecto al fundamentalismo islámico.
A los ingleses se les da muy bien reflejar la política o la sociedad de su país desde un punto de vista ácido y plagado de humor. Lo hacen de una manera irreverente y sin miramientos, son un poco "maleducados" al reflejar la realidad de manera cómica. "Four Lions" sigue esta línea y por tanto es una propuesta que no pretende tratar con seriedad un tema tan polémico como los atentados suicidas. Los diálogos del film son de lo más divertidos y las situaciones son tan desproporcionadas y exageradas, que es inevitable asombrarse y reír con lo que esta ocurriendo.
Lo mejor de la peli son los cinco personajes principales, cada uno de los cuales refleja un sector del mundo musulmán actual. Su diferentes ideas y comportamientos (uno de ellos entrena animales para que cometan atentados suicidas por él; otro camufla su voz por la de algún famoso o se disfraza de mujer, aún teniendo barba; el más tonto del grupo piensa que en el paraíso de los muyahidines hay toboganes de goma...), que chocan constantemente a lo largo del relato, provocan unas consecuencias inesperadas y estúpidas, llenas de despropósitos.

Cena de Amigos

T.O.: Le code a changé. 2008.Thelma Films. Director:Danièle Thompson. Guión: Danièle y Christopher Thompson. Reparto: Marie-Laurence (Karin Viard), Piotr (Dany Boon), Mélanie Carcassonne (Marina Foïs), Dr. Alain Carcassonne (Patrick Bruel), Sarah Mattei (Emmanuelle Seigner), Lucas Mattei (Christopher Thompson), Erwan (Patrick Chesnais).

Un grupo de conocidos que apenas se aguantan unos a otros y que tienen sus propios problemas: relaciones extramatrimoniales, rencillas familiares, reencuentro con amores de juventud, crisis laboral, etc. Todo esto mezclado en una cena muy especial en casa de una de las protagonistas es lo que nos plantea esta comedia gala.
Se trata de un ejemplo de película puramente francesa. Los personajes son joviales, las situaciones sorprendentes y esta repleta de momentos simpáticos. No se ahonda mucho en los caracteres de los personajes ya que importa mucho más el enredo en el que se ven metidos. Todo ello está filmado con mucho ritmo pero sin perder la coherencia y con una puesta en escena más teatral que cinematográfica. El peso del film recae sobre las situaciones que se crean entre los personajes que acuden a la cena en casa de Marie-Laurence. Éstas no son nada extravagantes, se dan con total naturalidad y son ciertamente originales y cotidianas.
Es un film muy sencillo sobre las diferentes historias de una serie de personajes que de un modo u otro acaban teniendo un nexo que los une en la sociedad actual. El misterio reside en las mentiras y el cinismo que impregna la vida de cada uno de ellos y que condicionara el desenlace de la cena y, quien sabe, de sus vidas también. Una peli sencillita, pero que no resulta burda ni vacía, todo lo contrario, esconde bastantes reflexiones y esta realizada con gusto. (5,75/10)

Thor

T.O.: Thor. 2011.Paramount Pictures. Director: Kenneth Branagh. Guión: Ashley Miller, Zack Stentz, Don Payne. Reparto: Thor (Chris Hemsworth), Jane Foster (Natalie Portman), Odín (AnthonyHopkins), Loki (Tom Hiddleston), Prof. Andrews (Stellan Skarsgård).
Thor, dios escandinavo del trueno, es expulsado del reino de Asgard, al desobedecer las ordenes de su padre, Odín. En el trono de los dioses es puesto Loki, su hermano, un ser ambicioso y corrupto.  Thor es desterrado a la Tierra y separado de su fuente de poder, el martillo Mjolnir, para que sufra como un mortal. Al descubrir las intenciones malignas de su hermano, Thor hará todo lo posible por recuperar su poder y el lugar que le corresponde entre los dioses, además, por supuesto, de salvar a los hombres del exterminio que les depara Loki.
Allá donde filma Kenneth Branagh le persigue el espíritu de Shakespeare y en esta película no se produce la excepción. La trama en torno al trono de los dioses escandinavos sigue muy de cerca el desarrollo de Hamlet o Macbeth. A parte de esta influencia shakesperiana, muchos han entrevisto un relato inspirado en la redención cristiana y, lo cierto, es que no les falta razón: Thor se vuelve humano, enviado a la Tierra por Odín. Tiene que salvar a los hombres del malvado Loki y para eso tendrá que morir como hombre, con lo que recuperará toda su fuerza divina. La verdad es que sí que podemos ver una cristianización de la mitología nórdica y esto se puede justificar por la obsesión de los estadounidenses por americanizar todo lo que adaptan (ya que no existe ningún mito sobe Thor que cuente ésto).

Medianoche en París

T.O.: Midnight in Paris. 2011.Rolins&Joffe Productions. Director:  Woody Allen. Guión: Woody Allen. Reparto: Gil (Owen Wilson), La musa (Marion Cotillard), Inez (Rachel McAdams), Paul (Michael Sheen), guía del museo (Carla Bruni).

Desde "Match Point", Woody Allen estaba en baja forma y ninguna de sus películas consiguió cuajar bien entre público y crítica. El esquema Allen empezó a cansar un poco a los espectadores y sus historias dejaron de interesar y se convirtieron en films al servicio de sus repartos estelares. He de decir, que aunque no fueron películas al nivel esperado, se dejaron ver perfectamente y siguen siendo una lección de lo bien que resulta un excelente guión.

En esta nueva película, Woody Allen nos cuenta la historia de un escritor de guiones de Hollywood que no encuentra la inspiración para escribir su primera novela. Es un hombre enamorado de la ciudad de París y en un viaje de regreso a este lugar es cuando descubrirá que en París es donde debe realizar su novela pues allí si que le visitan las musas. Está prometido con una mujer procedente de la alta sociedad y a ella no le hace mucha gracia quedarse en la ciudad europea a vivir, prefiere el lujo de Beverly Hills o Malibú.

Tokio Blues

T.O.: Noruwei no mori. 2010.Shinji Ogawa. Director: Tran Anh Hung. Guión:Tran Anh Hung,según la novela de Haruki Murakami. Reparto: Watanabe (Kenichi Matsuyama), Naoko (Rinko Kikuchi), Midori (Kiko Mizuhara).
Watanabe, Naoko y Kizuki son amigos desde pequeños. Un día, ya en la adolescencia, Kizuki se suicida en su garaje. Este hecho marcará de forma dramática la vida de sus dos mejores amigos. Watanabe siempre ha estado enamorado de Naoko pero nunca lo dijo, a partir de la muerte de Kizuki decidirá cuidar para siempre de Naoko. Por desgracia, ésta enloquece, obsesionada con el suicidio de su amor. Watanabe cuida de ella y le promete su amor, a pesar de su locura; pero, en la universidad, conocerá a Midori, una joven alocada y dispuesta a todo. Tendrá que decidir cual de los dos amores es el que quiere para siempre.
La película es un ejemplo de lo importante que es contar una buena historia en el cine. Da igual que acompañemos el relato con imágenes preciosas y una música muy bien seleccionada para cada momento, si lo que se cuenta es frío, distante e intrascendente, no vale mucho para el espectador que lo ve. Esto es lo que le ha pasado al director Anh Hung en este film. Las imágenes, gracias a la excelente fotografía, están llenas de belleza y son muy poéticas. La música favorece esta sensación (aunque en el final resulta un poco estridente). Sin embargo, no nos consigue transmitir lo que se quiere contar, la historia no cala en el espectador y abre numerosos interrogantes que no son resueltos correctamente, es decir, le hacen un "lío" importante al espectador. Lo curioso es que el director parece pretender crear este efecto de distanciamiento, por ejemplo: ilumina las escenas donde los personajes tienen relaciones sexuales con tonos azules, lo cual enfría tremendamente la imagen y al que la visiona o llena las escenas de música, alejandonos del personaje y centrandonos en la belleza de lo que vemos.

Es un film al que le falta profundidad en los personajes pues no sabemos muy bien quién es quién (los personajes son insertados sin decirnos antes su nombre o mostrarnos la importancia que puedan tener. Más adelante serán retomados y, a lo mejor, nos explican de quién se trata) y sus sentimientos necesitan un excesivo trabajo de atención para comprenderlos (no queda nada claro que es lo que siente cada personaje por el otro, las relaciones son repentinas y se introducen en la historia de forma tan brusca como desaparecen).
Un poco más de calor en la historia y un poco menos de pretenciosidad por parte del director habrían convertido la película en un drama muy correcto, al nivel de otros films asiáticos sobre romances turbulentos e imposibles. Desgraciadamente no es así. (4'25/10)

El último exorcismo

T.O.: The last exorcism. 2010.Arcade Pictures. Director: Daniel Stamm. Guión: Huck Botko, Andrew Gurland. Reparto: Cotton Marcus (Patrick Fabian), Nell Sweetzer (Ashley Bell), Iris Reisen (Iris Bahr), Louis Sweetzer (Louis Herthum).

Es curioso observar como hay películas rodadas con muy poco presupuesto y con intenciones muy poco comerciales que finalmente se hacen con la taquilla de Estados Unidos y con el aplauso de la crítica. "El último exorcismo" es uno de estos films.

Nos cuenta las peripecias de un predicador de E.E.U.U. tras aceptar un caso de supuesta posesión. Esta considerando dejar su profesión, así que éste será su último exorcismo, luego dejará de predicar y de expulsar demonios. Cuando llega al pueblo donde vive la familia de la víctima Cotton se verá inmerso en una historia de terror que ni él mismo podía imaginar.
"El último exorcismo" es una propuesta muy interesante de cine de terror. Utiliza la ya últimamente explotada excusa del documental para enseñarnos todo lo que va a pasar. Una reportera y un cámara son testigos de lo que le ocurre al predicador. Lo destacable de esta peli es que, sin ser muy complejo, el argumento se convierte en un fiel reflejo de los problemas con la religión en los pueblos de la América más profunda y la cuestión entre lo que es sobrenatural o lo que es pura maldad humana. El protagonista es más un farsante que un cura; utiliza trucos de magia para convencer a los feligreses, sus sermones son espectáculos auténticos y los exorcismos y ritos a los que acude los soluciona con montajes muy ingeniosos para sacar un alto beneficio económico. Después de tanto tiempo haciendo esto ya no tiene mucha fe en la religión o en Dios. Pero su presencia en un pueblo donde la fe  forma parte de la vida de todos sus habitantes (sobre todo de la familia de Nell, la poseída) y que sin embargo parece el mismísimo infierno en la tierra, le hará plantearse mas de un interrogante sobre lo que ha hecho toda su vida. A todo este ambiente, hay que añadir la posesión de una adolescente, creyente, practicante, aparentemente inocente y buena, que parece tener en su interior al diablo mismo.

No tengas miedo

T.O.: No tengas miedo. 2011.Iría Films. Director: Montxo Armendáriz. Guión: Montxo Armendáriz. Reparto: Silvia (Michelle Jenner), Padre de Silvia (Lluis Homar), Madre de Silvia (Belen Rueda), Maite (Nuria Gago), Psicóloga (Cristina Plazas).

Silvia es una chica que desde muy pequeña ha sufrido los abusos por su padre. Esto le ha creado un trauma psicológico grave e importante y es incapaz de ver la realidad de su mundo. Se ha encerrado en una burbuja, ignorando o borrando los abusos, en la que se encuentran ella y su padre. Sin embargo, con el paso del tiempo ira descubriendo lo que de verdad ha padecido y se abrirá al mundo "normal".
La película es una clara denuncia ante un tema tan actual como la pederastia o el abuso de menores. Montxo Armendáriz no quiere mostrarnos su lado u opinión personal, ante este problema, y nos da un punto de vista frío, casi documental, para mostrarnos este mal. El relato esta apoyado por testimonios de personas (ficticias) que sufrieron este tipo de traumas. A lo largo del film se van insertando imágenes de estos testimonios relatados en un "círculo de ayuda". Realmente, es aquí donde reside la dureza de la peli. La historia de Silvia es menos dramática que la de esos personajes, al menos por lo que se refleja en el relato principal. Y es que Armendáriz ha querido ser tan "documentador" que no nos ha mostrado cuál es el problema real de Silvia, nos oculta, como hace su personaje, su parte más íntima. Es cierto que apenas habla con sus conocidos ya que cuando cuenta algo sobre los abusos casi nadie le cree y eso le hace sentirse abandonada (su madre es la primera incrédula); por ello sigue

Carta Blanca

T.O.: Hall Pass. 2011.New Line Cinema. Directores: Peter y Bobby Farrelly. Guión: Pete Jones,Kevin Barnett,Hermanos Farrelly. Reparto: Rick (Owen Wilson), Fred (Jason Sudeikis), Maggie (Jenna Fischer), Grace (Christina Applegate),  Coakly (Richard Jenkins).

Se trata de un film más sobre la crísis de los tíos en el matrimonio cuando alcanzan los cuarenta. Cuenta la historia de Rick y Fred, dos amigos que están casados, tienen una familia típica, un trabajo bien remunerado y unas vidas bastante tranquilas. Sus mujeres empiezan a darse cuenta de que ambos miran a otras chicas con bastante deseo y de que sus relaciones matrimoniales se han enfriado. Una consejera les recomienda que les den carta blanca a sus maridos durante una semana para que conozcan otras mujeres con total libertad, a ver que pasa. Una vez que obtengan la carta blanca, Rick y Fred se embarcarán, durante siete días, en una aventurilla llena de locuras y de chicas, lejos de sus esposas y junto con sus colegas del barrio. Pero ¿Saldrá todo como esperaban?¿Es esto lo que necesitaban?.
La película es una comedia americana, como otras cien, sobre las dudas que les entran a los cuarentones casados, y no se trata precisamente de la mejor propuesta hasta el momento. Como viene pasando desde que se estrenó la excelente "Resacón en las Vegas", se utiliza la misma fórmula cómica, incluso el mismo tipo de personajes, a los que practicamente nada les sale bien.

La película tiene un par de golpes de humor, pero de los que hacen sonreír y no reír. Las situaciones son harto predecibles y ya han sido vistas en otras pelis cientos de veces. Owen Wilson y Sudeikis muestran una desgana total hacia sus personajes, sobre todo el primero; y ninguno de los dos resulta nada gracioso, los secundarios les arrebatan esta función. Aunque creo que lo que más afecta al film es ese tono de drama que va adquiriendo hacia el final, fuera de lugar.
Un peli para sonreír un ratillo, con algunos golpes de humor, algún cameillo, que no puede faltar, y con cero de sustancia. En fin, entretenimiento superficial, la costumbre de los Farrelly desde "Algo pasa con Mary". (3/10)

El sicario de dios

T.O.: Priest. 2011.Buckaroo Entertainment. Director: Scott Stewart. Guión: Cory Goldman,basado en la novela gráfica de Hyung Min-woo. Reparto: Sacerdote (Paul Bettany), Sombrero Negro (Karl Urban), Hicks (Cam Gigandet), Sacerdotisa (Maggie Q), Monseñor Orelas (Christopher Plummer).

Los sacerdotes fueron guerreros entrenados por la iglesia para hacer frente a la raza de los vampiros y a sus secuaces, y con ello, defender a la humanidad. Una vez éstos fueron derrotados, a los sacerdotes se les retiró y se les mantuvo escondidos entre la sociedad. Pero parece que unos años más tarde los chupasangre han vuelto a atacar a los hombres, liderados por un supervampiro. El Sacerdote (Paul Bettany), se dará cuenta del peligro y emprenderá la lucha por su cuenta ya que la iglesia no le cree y lo excomulga por su desobediencia al romper la paz entre ambos bandos. La caza del vampiro ha comenzado. Éste es el argumento de la simplona "El sicario de dios", una mezcla de "Blade", "Blade Runner" (por su atmósfera futurista) y western, con unos resultados muy por debajo de lo esperado.
La verdad, es que no hay mucho que comentar sobre el film,mas o menos todos se pueden imaginar cual es su línea argumental y donde desemboca la historia. En este aspecto no tiene nada nuevo. En cuanto a los personajes, todos son una mezcla de otros creados con anterioridad en films de vampiros, hombres lobo,etc. Tal vez, lo mas destacable de la peli es la ambientación futurista. El contraste entre las ciudades del futuro, sin sol, grises, hipercontaminadas y superpobladas, rodeadas de murallas para que no entren indeseables; con el exterior, que son tierras vastas, extensas y desérticas (asombrosamente parecidas a las de "El libro de Eli"), es lo mejor de la peli. Bastante risible es ese look de western que impregna toda la producción, un aspecto que no encaja para nada con la idea de una iglesia omnipresente en la sociedad y unos vampiros malvados; no tiene mucho sentido que en las ciudades esten avanzados muchos años y fuera de ellas los habitantes vivan como en el viejo oeste.
Como digo siempre, para pasar el rato, ver acción escena tras escena y no querer pensar mucho, es una peli perfecta (pero más aburrida que otras mucho mejores como "Blade I" o "Resident Evil I"). (3/10)

PALMARÉS CANNES 2011

LARGOMETRAJES

 PALME d´OR

THE TREE OF LIFE, de Terrence Malick.

GRAND PRIX EX-AEQUO
Bir zamanlar anadolu´da, de Nuri Bilge Ceylan.

Le gamin au vélo, de Jean-Pierre et Luc Dardenne.

PREMIO A LA MEJOR DIRECCIÓN

Nicolas Winding Refn, por Drive.

PREMIO AL MEJOR GUIÓN

Joseph Cedar, por Hearat Shulayim.

PREMIO A LA INTERPRETACIÓN FEMENINA

Kirsten Dunst, por Melancholia de Lars Von Trier.

PREMIO A LA INTERPRETACIÓN MASCULINA

Jean Dujardin, por The Artist de Michel Hazanavicius.

PREMIO DEL JURADO

Polisse, de Maïwenn.

CORTOMETRAJES

PALME d´OR AL CORTOMETRAJE

Cross, de Maryna Vroda.

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR CORTOMETRAJE

Badpakje, de Wannes Destoop.

CANNES 2011

Sección Oficial:
 

INAUGURACIÓN
Medianoche en Paris, de Woody Allen (fuera de competición).

EN COMPETICIÓN
La piel que habito, de Pedro Almodovar.
L'Apollonide-Souvenirs de la maison close, de B. Bonello.
Pater, deAlain Cavalier.
Hearat Shulayim, de J. Cedar
Bir Zamanlar Anadolu'da, de Nuri Bilge Ceylan. 
Le Gamin au vélo, de Jean-Pierre y Luc Dardenne.
Le Havre, de Aki Kaurismäki.
Hanezu no tsuki, de Naomi Kawase.
Sleeping Beauty, de Julia Leigh.
Polisse, de Maïwen.
The Tree of Live, de Terrence Malick.
La source des femmes, de Radu Mihaileanu.
Ichimei, de Takashi Miike.
Habemus Papam, de Nanni Moretti.
We need to talk about Kevin, de Lynne Ramsay.
Michael, de Markus Schleinzer.
This must be the place, de Paolo Sorrentino.
Melancholia, de Lars Von Trier.
Drive, de Nicolas Winding Refn.

SESIONES DE MEDIANOCHE
Wu Xia, de Peter Ho-sun Chan.
Días de gracia, de Everardo Gout.

FUERA DE COMPETICIÓN
La Conquête, de Xavier Durringer.
El castor, de Jodie Foster.
The Artist, de Michael Hazanavicius.
Piratas Caribe: en mareas misteriosas, de Rob Marshall.

SESIONES ESPECIALES
Labrador, de Frederikke Aspöck.
Le Maître des forges de l'enfer, de Rithy Panh.
Michel Petrucciani, de Michael Radford.
Tous au Larzac, de Christian Rouaud.

UNA CIERTA MIRADA (UN CERTAIN REGARD) 

INAUGURACIÓN

Restless, de Gus Van Sant.

SELECCIÓN

Arirang, de Kim Ki-Duk.
Bé omid é didar, de Mohammad Rasoulof.
Bonsái, de Cristian Jiménez.
Elena, de Andrey Zvyagintsev.
Et maintenant on va ou? (Where do we go know?), de Nadine Labaki.
Halt auf freier strecke (Stopped on track), de Andreas Dresen.
Hors Satan, de Bruno Dumont.
L´exercice de l´etat (The minister), de Pierre Schoeller.
Les neiges du Kilimandjaro (The Snows of Kilimanjaro), de Robert Guediguian.
Loverboy, de Catalin Mitulescu.
Martha Marcy May Marlene, de Sean Durkin
Miss Bala, de Gerardo Naranjo.
Okhotnik (The Hunter), de Bakur Bakuradze.
Oslo, 31. August, de Joachim Trier.
Skoonheid (Beauty), de Oliver Hermanus.
Tatsumi, de Eric Khoo.
The day he arrives, de Hong Sangsoo.
Yellow Sea, de Na Hong-Jin.
Toomelah, de Ivan Sen.
Hard Labor, de Marco Dutra y Juliana Rojas.

CORTOMETRAJES 

SELECCIÓN

Badpakje 46, de Wannes Destoop.
Bear, de Nash Edgerton.
Ce n´est rien, de Nicolas Roy.
Cross, de Maryna Vroda.
Ghost, de Dachi Ma.
Kjøttsår, de Lisa Marie Gamlem.
Meathead, de Sam Holst.
Paternal Womb, de Megumi Tazaki.
Soy tan feliz, de Vladimir Durán.